{"id":13656,"date":"2019-11-11T12:57:32","date_gmt":"2019-11-11T10:57:32","guid":{"rendered":"http:\/\/art-toolkit.recursos.uoc.edu\/?p=13656\/"},"modified":"2024-07-21T10:02:29","modified_gmt":"2024-07-21T08:02:29","slug":"vacio-lleno","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/art-toolkit-linux-test.azurewebsites.net\/es\/vacio-lleno\/","title":{"rendered":"Vac\u00edo-lleno"},"content":{"rendered":"

\u00abUnimos treinta radios y lo llamamos rueda<\/em>, pero es en el espacio vac\u00edo donde reside la utilidad de la rueda.
\nMoldeamos arcilla para hacer un jarro, pero es en el espacio vac\u00edo donde reside la utilidad del jarro.
\nAbrimos puertas y ventanas cuando construimos una casa, pero son estos espacios vac\u00edos los que dan utilidad a la casa.
\nPor lo tanto, igual que nos aprovechamos de lo que es, deber\u00edamos reconocer la utilidad de lo que no es\u00bb.<\/p>\n

Lao-Tse<\/p><\/blockquote>\n

La dicotom\u00eda vac\u00edo-lleno<\/em> es una de las bases m\u00e1s importantes en cualquier tipo de creaci\u00f3n pl\u00e1stica, as\u00ed como uno de los principios fundamentales en la composici\u00f3n de imagen, la creaci\u00f3n de espacios, la narrativa cinematogr\u00e1fica o la gesti\u00f3n de la puesta en escena o la creaci\u00f3n del movimiento en danza. La compensaci\u00f3n entre lleno y vac\u00edo, entendida como la presencia de lo que est\u00e1 y de lo que no est\u00e1, del sonido (o ruido) y el silencio, afecta a todo tipo de narrativa; y la conciencia de su importancia depende en buena parte de la herencia cultural. Est\u00e1 claro que la idea del vac\u00edo en Oriente no es la misma que en Occidente (v\u00e9ase ficha Energ\u00eda<\/a>).<\/p>\n

La dualidad del lleno y el vac\u00edo estar\u00eda presente de forma activa o pasiva en la obra de cualquier artista en el que pensemos. De todos los enfoques posibles aplicados a la escultura, vamos a orientarlo aproxim\u00e1ndonos por una parte a la exuberancia de la obra de Anish Kapoor; y, por otra, hacia su utilizaci\u00f3n estricta en la escultura objetual, con el ejemplo de Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, es decir, los dos grandes escultores vascos, con carreras casi paralelas y recientemente fallecidos.<\/p>\n

Observemos la obra del artista Anish Kapoor, nacido en Bombay en 1954 y afincado en Londres desde principios de los setenta. De padre hind\u00fa y madre jud\u00eda originaria de Irak, su obra, muy influenciada por su origen indio, es una reflexi\u00f3n sobre la paradoja, sobre el encuentro y la fusi\u00f3n de contrarios. Un autor que maneja una diversidad enorme de materiales y recursos (piedra, resinas, pigmentos, cera, cemento, m\u00e1s todos los materiales que utiliza para sus intervenciones exteriores o de gran formato) y los pone al servicio de la idea de fondo. Vamos a repasar alguna de sus obras con la mirada puesta en identificar la dicotom\u00eda vac\u00edo-lleno y aportar una posible interpretaci\u00f3n sobre sus significados.<\/p>\n

\u00bfPor qu\u00e9 Kapoor utiliza esas \u00a0grandes piedras de escala humana incluyendo en ellas esos vac\u00edos negros a la altura de los ojos? Enfrentarse a su obra It is Man<\/em> (\u2018Es hombre\u2019) (1988-1990) es entrar en un juego de percepci\u00f3n, permitir al pensamiento que por un momento se centre en algo que no entiende pero que le atrae como nos atrae el abismo. Los significados intr\u00ednsecos de la piedra, as\u00ed como el silencio, la quietud, la presencia, la evocaci\u00f3n de tiempo inmemorial sirven como soporte, como marco de ese hueco pintado con un pigmento tan negro como la oscuridad m\u00e1s absoluta. Esa \u00abmembrana\u00bb negra tiene la propiedad de hacer dudar al espectador de su propia naturaleza, de si es hueco o es saliente, de si es vac\u00edo o lleno.<\/p>\n

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It is Man<\/em> de Anish Kapoor (1988-1990)
Fuente: https:\/\/www.museoreinasofia.es\/coleccion\/obra\/it-man-es-hombre<\/a><\/p><\/div>\n

Hay una constante indagaci\u00f3n en su obra sobre cuestiones ancestrales, primarias: dualidades entre lo celeste y lo terrestre, luz y sombra, materia y esp\u00edritu. Para mantener viva esta dualidad, coloca al espectador frente al vac\u00edo o dentro de \u00e9l. Uno de sus s\u00edmbolos m\u00e1s utilizados es el de la monta\u00f1a como origen de la vida, espacio sagrado o como s\u00edmbolo del subconsciente, el gran \u00fatero, la caverna, el vac\u00edo; aberturas como zonas de contacto entre un lado y otro, luz y oscuridad entre lo divino y lo humano, lugares m\u00e1gicos donde se produce la transformaci\u00f3n bajo la idea profunda del templo como transformador por medio de un camino f\u00edsico, de la puerta de entrada al altar, que implica un cambio gradual de luz y de estados, un tr\u00e1nsito del que se supone que el ser humano sale transformado.<\/p>\n

Kapoor utiliza la resina para crear grandes formas c\u00f3ncavas que son envolventes vac\u00edos a los que asomarse, por ejemplo, Void<\/em>, de 1989 (fibra y pigmento 200\u00d7200\u00d7100 cm). Estas piezas creadas para interior invitan al espectador a meter la cabeza y a experimentar la sensaci\u00f3n. Y es que el artista pronto supo que el vac\u00edo puede lograr que el espacio est\u00e9 m\u00e1s lleno. Este descubrimiento conceptual fue fundamental para Kapoor.<\/p>\n

\u00abParece como si vaciando la forma, quit\u00e1ndolo todo… de alg\u00fan modo el espacio no se vaciara, m\u00e1s bien como si se llenara. Y creo que fue una gran sorpresa para m\u00ed. Sent\u00ed que era el momento de un gran descubrimiento. Que vaciar era llenar, en realidad, y que lo que lo llenaba era una especie de oscuridad. Una oscuridad de masa, una oscuridad del interior y, desde luego, una especie de oscuridad psicol\u00f3gica\u00bb.<\/p>\n

Recuperado de: https:\/\/www.elconfidencial.com\/cultura\/2010-03-16\/anish-kapoor-se-presenta-a-lo-grande-en-el-guggenheim_736840\/<\/a><\/p><\/blockquote>\n

La obra p\u00fablica de Kapoor es prol\u00edfica. Sus espejos invertidos instalados en zonas urbanas estrat\u00e9gicas tratan de unir cielo y tierra para crear tensi\u00f3n, condensar contrarios y regalar un momento de magia al viandante. Utiliza formas sencillas, pero de gran complejidad, como la gigantesca escultura Cloud Gate<\/em> (2004-2006), instalada en Chicago (muy cerca de la Crown Fountain<\/em> de Jaume Plensa), que pesa m\u00e1s de 110 toneladas con 22 metros de largo, 13 de ancho y 10 de altura. Esa \u00abnube o jud\u00eda mercurial\u00bb, un inmenso espejo que recoge el skyline<\/em> de la ciudad, incluye al espectador dentro de la imagen, dentro de un agujero. La enorme masa se convierte en un vac\u00edo incluyente y absorbente que toma la contradicci\u00f3n como la base de la vida y de su po\u00e9tica.<\/p>\n

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Cloud Gate<\/em> de Anish Kapoor (2004-2006)
Fuente: https:\/\/contemporary-art-blog.com\/post\/139862660310<\/a><\/p><\/div>\n

Su obra Leviathan<\/em>, instalada en el Gran Palais de Par\u00eds (un emplazamiento que permit\u00eda que la luz se filtrara a trav\u00e9s de sus paredes) en la Documenta de 2011, da un paso m\u00e1s all\u00e1 y sit\u00faa al espectador no ya asomado al vac\u00edo, a la grieta, sino dentro de \u00e9l, en el interior de su piel. De esta manera, muestra toda su interioridad y facilita la extra\u00f1a sensaci\u00f3n de estar literalmente dentro del vac\u00edo. Uno ya no se sit\u00faa como espectador fuera y observa la contradicci\u00f3n entre lleno y vac\u00edo, sino que traspasa la membrana de la masa visible (el lleno) que lo conforma y observa desde dentro. Ha conseguido, por tanto, traspasar la idea de observar la relaci\u00f3n lleno-vac\u00edo para experimentarla. Al ver sus dibujos se entienden mejor sus piezas. En estas peque\u00f1as pinturas est\u00e1n condensadas sus inquietudes, sus b\u00fasquedas. Aqu\u00ed no hace falta ning\u00fan material para mostrar la permanente dualidad de su obra.<\/p>\n

Acerc\u00e1ndonos a nuestro pa\u00eds, consideraremos el tratamiento del vac\u00edo-lleno en la obra de Jorge Oteiza y de Eduardo Chillida. Aun teniendo algunas similitudes, la obra de Chillida poco tiene que ver con la obra de Oteiza. Su estilo es mucho m\u00e1s abierto y menos radical en cuanto a su investigaci\u00f3n y deviene en una obra m\u00e1s comercial, abierta y reconocida por el gran p\u00fablico.<\/p>\n

Oteiza desarrolla al principio un estilo abstracto en su sentido cl\u00e1sico, es decir, su abstracci\u00f3n conserva el volumen, la materia y la forma. Lo m\u00e1s destacable de esta etapa es su proyecto de Arantzazu, su obra m\u00e1s deseada, que obtuvo el rechazo de la Iglesia, por lo que estuvo a\u00f1os paralizado. Cuando la rechazaron, \u00e9l escribi\u00f3 una carta a Roma demostrando la tesis de que su intervenci\u00f3n ten\u00eda mucho m\u00e1s sentido que cualquier obra realista, ya que conectaba con lo m\u00edstico, con la expresi\u00f3n interna, y que si ellos ped\u00edan realismo era para captar a las masas, para adoctrinar desde la representaci\u00f3n m\u00e1s reconocible, pero no m\u00e1s adecuada para el tema que se trataba. Los ap\u00f3stoles de Oteiza son expresionistas en el sentido m\u00e1s literal, \u00e9l los vac\u00eda de vida terrenal con sus manos, abre los huecos en los que ir\u00edan sus \u00f3rganos y los convierte en seres c\u00f3ncavos, en recipientes que abrazan una fe y una fuerza que no pertenece a lo terrenal. De esta forma tan directa y mat\u00e9rica representa lo espiritual. En los vac\u00edos est\u00e1 lo importante, y esta es una constante que despu\u00e9s desarrollar\u00e1 hasta el final.<\/p>\n

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Ap\u00f3stoles de Arantzazu<\/em> de Oteiza (2003)
Fuente: https:\/\/es.wikipedia.org\/wiki\/Archivo:Oteiza_Apostoluak_Arantzazu.jpg<\/a><\/p><\/div>\n

El conflicto con la Iglesia ilustra una de los factores esenciales para entender la obra de Oteiza. Busca la trascendencia en la escultura desde un hondo desarraigo religioso. Como escribe el artista, \u00abel arte consiste, en toda \u00e9poca y en cualquier lugar en un proceso integrador, religador, del hombre y su realidad, que parte siempre de una nada que es nada y concluye en otra Nada que es Todo, un Absoluto, como respuesta l\u00edmite y soluci\u00f3n espiritual de la existencia\u00bb.<\/p>\n

Las obras que probablemente mejor reflejan la progresi\u00f3n de su investigaci\u00f3n y el papel del vac\u00edo y el silencio en su escultura son las que implican la desocupaci\u00f3n del cubo, sus Cajas Vac\u00edas<\/em>. En ellas, el peso del vac\u00edo desmaterializa el objeto, la materia m\u00ednima lo recoge, desocupa el espacio. Oteiza investiga exhaustivamente la relaci\u00f3n de vac\u00edo-lleno, por lo que fue un veh\u00edculo muy importante en la evoluci\u00f3n de una carrera que tuvo un final aun en activo por decisi\u00f3n propia.\u00a0 El vac\u00edo en la obra de Oteiza tiene un sentido espiritual, igual que lo tiene para Kapoor. Si al escultor indiobrit\u00e1nico le interesa colocar al espectador ante membranas a otros estadios, ante la dicotom\u00eda vac\u00edo-lleno, el escultor vasco utiliza el vac\u00edo como medio para profundizar en la relaci\u00f3n entre materia y espacio y llegar a la total desmaterializaci\u00f3n del volumen ante la ocupaci\u00f3n del vac\u00edo.<\/p>\n

Si enfocamos la dicotom\u00eda que nos ocupa en la obra de Chillida, merece la pena recordar su proyecto m\u00e1s perseguido y tambi\u00e9n m\u00e1s pol\u00e9mico (por ahora no realizado por la controversia creada), su Proyecto Monumental para la monta\u00f1a Tindaya<\/em> en Fuerteventura. El artista anhelaba crear un gran vac\u00edo donde sacar la materia y meter el espacio, de esta manera, se abrir\u00eda en las entra\u00f1as de la monta\u00f1a un gigantesco cubo de 50 metros de altura, un espacio que acoger\u00eda la luz del sol y la luna apuntando al horizonte y al mar. El propio vac\u00edo har\u00eda nacer un lugar que \u00e9l imaginaba amplio y profundo, un espacio de encuentro para la tolerancia.<\/p>\n

El Museo Oteiza en Pamplona es un edificio construido por el arquitecto S\u00e1enz de Oiza en estrecha colaboraci\u00f3n con el propio Oteiza, y act\u00faa intencionadamente como s\u00edntesis de la personalidad y la obra del artista. El vac\u00edo-lleno se experimenta mientras se recorre su espacio. Los pasillos act\u00faan de tr\u00e1nsito entre los cubos vac\u00edos, solo ocupados por las esculturas que llenan el espacio con su presencia, e invitan al visitante a vivir una experiencia interior. Apenas hay p\u00fablico, la visita se hace casi en soledad, acompa\u00f1ado por el silencio, en un constante vaiv\u00e9n entre la vista al exterior, al paisaje, a la tierra, al entorno en el que vivi\u00f3 (est\u00e1 unido a su casa y su taller) y a su experiencia como artista, la interior, el recorrido espiritual. Es lo m\u00e1s parecido a un templo, un templo laico pero a la vez profundamente religioso entendido a su manera.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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